Nota del editor: Artist of the Week Interviews son unas series de entrevistas a artistas curadas por Art Throng, que son un grupo de expertos en arte contemporáneo global, cuya misión es hacer que el arte, en todas sus expresiones, esté disponible a través de plataformas interculturales.En estas entrevistas semanales hablamos con artistas notables de todo el mundo, de diferentes medios de expresión artística, desde las ilustraciones hasta el diseño, desde el sonido a la performance, desde la fotografía a los retratos, desde la escultura al movimiento. Aquí está nuestra tercera artista de esta serie semanal: Patricia Glauser.Nació en Colombia en 1967. En 1998, Patricia dejó su trabajo como dentista y dejó su país para seguir su sueño de convertirse en artista. En esta entrevista de Art-Throng, le preguntamos a la artista sobre sus inspiraciones e influencias de sus obras. Ella es una de las pocas artistas globales que han introducido el tema de la Violencia de Género en sus obras con tanta gracia e complejidad para llevar el tema a la luz y el sufrimiento de millones de mujeres que todavía pasan por el mismo. La entrevista de Patricia Clauser y su inspiración detrás del arte-activismo para poner fin a la violencia contra las mujeres marcan este día especial de la iniciativa de Fuerteventura Time de difundir la conciencia en este 19 de junio- Día Internacional para la Eliminación de la Violencia Sexual en Conflicto.
1. ¿Puede hablarnos de sus obras y medios utilizados como artista?
Mi trabajo comienza con la necesidad de externalizar a través de una imagen la sensación de vivir «entre», como un espacio neutral en medio de dos opuestos: entre el interior y el exterior, la materia y la energía, la presencia y la ausencia, la figura y la figura. Una sensación que se convierte en una tensión sublime e inalcanzable hacia un espacio-tiempo utópico, hermafrodita, simultáneo y espectral, que a su vez se convierte en el justo intermediario que permite el equilibrio.
Desde que empecé a pintar, me he interesado en estudiar los elementos esenciales del lienzo, el color y la madera. Considero, por ejemplo, que la tela no sólo sirve como un soporte sobre el que se aplica el color o se hace un dibujo, sino que también puede desempeñar el papel principal en la composición de la pintura.
En mis primeras pinturas, trabajé la tela cortándola, deshilachando, conociéndola, etc., manteniendo la bidimensionalidad pero al mismo tiempo buscando la profundidad, lo que hay detrás, entre el interior y el exterior. Poco a poco las obras adquirieron la tridimensionalidad y la tela comenzó a desempeñar el papel principal en la construcción de la forma y convertirse en Figura. El color para dejar de cumplir su función se convirtió en un símbolo de paz, pureza y transformación.
Es un arte de denuncia social donde busco, a través de una visión estética, dar un concepto ético. Busco «esculpir la sensación», como diría Francis Bacon con su pintura. Crea un impacto, una sensación en el observador que lo invita a reflexionar. Una vez más y sin pensar, mi sentido de un intervalo de sentido entre la ética y la estética, el bien y el mal, el tormento y la paz.
Desde el punto de vista técnico, además de la tela, trabajo con yeso, resinas acrílicas, poliuretano y fibra de vidrio. También utilizo algunos objetos útiles para comunicar visualmente el tema principal de mi trabajo.
El color sigue siendo blanco, absoluto, esencial y sintético. Un objetivo a través del cual el dolor se sublida, se supera espiritualmente en un intervalo entre la materia y el espíritu.
2. Usted trabaja con pinturas, instalaciones e interpretaciones como el medio principal en sus obras. ¿Puede llevarnos a través del proceso artístico?
Mi trabajo artístico como pintora comienza con un interés particular en el lienzo como elemento composicional principal. Al principio, corto, rasgó la tela en busca de una cierta espacialidad, un intervalo entre lo que hay dentro y lo que está fuera. Con esta idea de representar ese punto que yo llamo el intervalo («en el medio») como punto medio entre opuestos, entre presencia y ausencia, materia y energía, interior y exterior, el lienzo adquiere tridimensionalidad. Al mismo tiempo, el concepto de intervalo existía en mí y sigue estando muy presente en mi trabajo, el tema de la denuncia social contra el maltrato de las mujeres. La tela ya no era el soporte sobre el que aplicar colores o hacer un dibujo para construir las formas y convertirse en una figura. La figura de una mujer vestida de blanco que aparece en ese punto intermedio entre el trauma y el post-trauma, con un vestido que cubre y al mismo tiempo descubre, cuerpo y no cuerpo y por lo tanto, entre nuevos conceptos y técnicas, llegué a la escultura y la instalación. He estado desarrollando una técnica personal en la que trabajo no sólo con la tela sino con otros materiales como las resinas aplicadas en el vestido de tela. La ropa como tal, poco a poco se convierte en ese objeto tangible a través del cual logré representar el intervalo entre interior y exterior, un vestido que cubre y descubre a esa mujer que está atrapada entre lo que era y lo que es después de la agresión.
La actuación nace sólo como acompañamiento a las esculturas que juntas con mi presencia hacen que la obra se convierta en una instalación viva. Más que actuar, me presento en silencio, como otra escultura, vestida de negro frente al blanco de mis obras. Color de intercambio de vida y muerte.
«El arte es un viaje íntimo, emocional, sensorial e intelectual, las ideas y sensaciones se transforman en expresión visual» Patricia Glauser.3. ¿De dónde viene tu inspiración?
Creo que el arte es el receptáculo y la expresión del viaje de tu vida donde pensamientos, sensaciones e imágenes internas se transforman en una expresión visual que convierte lo invisible en visible, en el caso de mis obras, convirtiéndola en una imagen tangible también. Uno puede encontrar inspiración en la vida diaria, en las experiencias y las reacciones emocionales y mentales que producen en ti.
4. Usted es originario de Colombia, ¿cómo fue crecer para usted? ¿Siempre supiste que querías ser artista?
Nací en Colombia y he vivido en Italia durante 20 años. Yo diría que no fue fácil crecer … pero lo hice. Crecí en un ambiente económicamente privilegiado si lo comparo con muchos colombianos, pero un ambiente con muchas presiones y requerimientos sociales con los que nunca podría cumplir, aunque quería, desde que era la clásica inadaptada social. A pesar de que quería estudiar arte, debido a diversas dificultades, terminé estudiando odontología que, como me dijeron: «Es una profesión que tiene artesanías …». Trabajé como tal durante 8 años, hasta que en 1998 tuve el valor, logré liberarme y viajar a Italia detrás de mi sueño de ser artista. Cuando era pequeña no sabía que quería ser artista pero me encantaba pintar, en ese entonces mis padres pensaban que era bueno para mí pintar y recuerdo con gran alegría cuando me inscribí en un curso de pintura fuera de la escuela. Al crecer, tomé algunos cursos de pintura y tenía un grupo de amigos con los que me reunía para pintar una o dos veces por semana después del trabajo, la pintura era un pasatiempo en ese momento. Realmente me di cuenta de que en el fondo tenía el alma de un artista cuando entendí que no podía continuar mi vida como dentista y que no tenía sentido seguir siendo lo que no era y con el que no me identificaba.
5. ¿Fue influenciada por algunos elementos de su país de origen?
Creo que un artista refleja en su obra muchos elementos con los que entra en contacto en su vida, a veces consciente y a veces inconscientemente. Después de haber vivido en Colombia y actualmente, en Italia, hay un momento en el que uno llega donde parece que no eres ni de aquí ni de allá. Habiendo vivido dos culturas similares y diferentes al mismo tiempo, hay muchos aspectos culturales de los que sólo se dan cuenta cuando se vive en un determinado entorno que tiene sus parámetros o contexto sociales y culturales específicos.
Un aspecto que ha influido en mi trabajo es el machismo o el chovinismo masculino de la sociedad colombiana. En Italia, por supuesto, hay machismo y discriminación social contra las mujeres, pero es menos arraigada que en Colombia, donde las propias mujeres, debido a su historia social y cultural están aceptando más ciertos roles en la sociedad que se autoimestan. Esto es muy evidente en las clases sociales menos favorecidas. Tengo muchos recuerdos tristes y crudos cuando presté servicio social obligatorio como dentista en mi país. El número de mujeres que fueron abusadas emocional y físicamente, sometidas y esclavizadas por sus maridos, pareja, un pariente o incluso sus padres es desalentador.
El otro aspecto que ha influido mucho en mis obras ha sido la perspectiva sobre la situación de las mujeres en un país agobiado por la violencia. Muchas fueron violadas por guerrillas y paramilitares a su paso por los campos y son tratadas como animales en la naturaleza.
6. Su instalación artística y la representación ‘Violencia sin violencia’ se presentó en Roma en 2018. ¿Podrías compartir un poco sobre eso?
Presenté esta actuación por primera vez en Milán y luego la repetí en Roma ese mismo año. Fue una gran experiencia porque sentí que era una parte integral de mis obras. Yo era una de ellas y juntas narramos una historia basada en el concepto del tiempo, donde a la izquierda de la «etapa» se representaba el pasado, al centro del presente, y a la derecha el futuro. Me encontraba, sentada en el suelo, vestida de negro, precisamente en ese «intervalo» entre pasado y presente.
La figura masculina de la izquierda, «Miguelito», una pequeña marioneta enmarcada por el marco de la pintura, colgando del hombro de un brazo amputado como resultado de la lucha en el acto de violencia y con el pie manchado de sangre roja. Enmarcado o más bien acorralado y encarcelado en su propia celda, aislado por sí mismo en su silencio. Mi presencia vestida de negro representa a la mujer que llora su desgracia en silencio, pero al mismo tiempo reacciona en ese presente en el que, la ropa sucia se lava en casa. Eso representaba con la obra «Tenderete», una palabra española para el estante donde se seca la ropa. Tienes que lavar la ropa y lavar la ropa manchada. El futuro está representado por el vestido, «Piedad Ausente», una metáfora española que literalmente significa Ausencia de Piedad que parece volar entre el pasado y el futuro; donde el movimiento de la tela y el color blanco simboliza la transformación, la pureza interior, y la sublimación espiritual del dolor a medida que se dirige y vuela hacia la parte superior.
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