Nota del editor: Artist of the Week Interviews son unas series de entrevistas a artistas curadas por Art Throng, que son un grupo de expertos en arte contemporáneo global, cuya misión es hacer que el arte, en todas sus expresiones, esté disponible a través de plataformas interculturales.En estas entrevistas semanales hablamos con artistas notables de todo el mundo, en diferentes medios de expresión artística, desde las ilustraciones hasta el diseño, desde el sonido a la performance, desde la fotografía a los retratos, desde la escultura al movimiento. Aquí está nuestra sexta artista de esta serie semanal: Elizabeth Bergeland.
1. ¿Puede contarnos un poco sobre su proceso de trabajo mientras crea una obra de arte?
Tengo pocos procesos diferentes jugando con mi trabajo. Con mis dibujos, el proceso parece como lo que imagino que sea el proceso de un escritor. Podría encontrarme atrapada en una situación divertida o interactuar con alguien que está pasando, tomar algunas notas al respecto en mi teléfono y después ir a casa y dibujarlo. El proceso, simplemente, es grabar las cosas que veo. Es principalmente observación. Mis pinturas son una bestia completamente diferente y pueden tardar meses y, a veces, años en desarrollarse tanto conceptualmente como en la composición.
Mientras que mis dibujos son típicamente interacciones diarias, a menudo mundanas pero episodios divertidos diarios, mis pinturas generalmente abordan un pensamiento mucho más grande o una idea alejada de nuestras interacciones diarias. Pensamientos e ideas como: «¿Me pregunto si lo sabré cuando me muera? ¿La felicidad es algo que vale la pena perseguir? ¿Qué seríamos sin él? O, ¿cuándo las dificultades y el trauma cruzan la línea de algo que puede hacernos más fuertes en algo que nos romperá?
Y, ¿es necesario para nuestro desarrollo como personas?» Una cosa como… solo tú ordinario y molesto martes por la tarde nos mantienen a todos despiertos por la noche.:) Una pintura para mí generalmente comienza con páginas y páginas de escritura, desarrollando lentamente las ideas que rodean la pieza. Luego tomaré imágenes de referencia con un modelo que a menudo termina redirigiendo la pieza de nuevo de maneras sorprendentes. Su postura, movimiento o contacto visual hace mucho por la dirección de la pieza.
A continuación, la pieza pasa de un pequeño boceto, en mi cuaderno de bocetos, hasta un lienzo grande de seis pies la pieza casi siempre se redirige de nuevo porque la escala tiene mucho impacto. Pararse frente a una obra de arte en persona es una experiencia completamente diferente a verla en una pequeña pantalla. Hacer arte es como dar a luz- al final, la pieza tiene una vida completamente autónoma propia, será amada por algunos, odiada por otros, y asumir un significado que nunca fue parte de la intención original del artista. Saber que así es como va, significa que hay un montón para aprender y dejar ir en el proceso de hacer arte.
2. ¿Es cierto que en 2016, usted pasó de su trabajo en el diseño de moda para seguir una carrera a tiempo completo en el arte? ¿Cómo supiste que era tu vocación?
¡Sí! Siempre supe que sería un artista, pero cuando terminé mi grado en 2006 también supe que no estaba lista para asumirlo todo. Francamente, a los 22 años, todavía no tenía la madurez emocional, la ética de trabajo, el ingenio, ni la disciplina que una carrera artística requeriría. En cambio, tomé un «trabajo real» como diseñadora (¡en realidad, en la moda nupcial!), me casé con mi pareja de la universidad, construí una familia y me moví por todo el país (4 veces). Llegué diez años más tarde (2016) con tres hijos y la angustia acumulada de no haber tenido el tiempo o el espacio para producir arte de una manera seria, pero con cuadernos de bocetos llenos hasta el borde con contenido listo para ser realizado.
Estaba absolutamente y vorazmente lista para perseguir el arte en una forma más elevada y satisfactoria. Abarrote mis hijos en un dormitorio para que pudiera tener el otro para un estudio, dejar mi trabajo, y empecé a pintar. A menudo yo describo el sentimiento de la transición a una artista a tiempo completo como una compulsión o un comando en lugar de una decisión intencional. Cómo E.B. White declaró perfectamente: «Un escritor que espera las condiciones ideales para trabajar morirá sin poner una palabra en papel». ¡Ya era hora!
3. También haces ilustraciones de libros infantiles, ¿qué despertó tu interés en eso?
Desarrollar nuestro primer libro infantil fue, en realidad, el tipo concreto de proyecto que jugó un papel importante para propulsarme como un artista a tiempo completo. Mi compañero de escritura (escribe, yo dibujo) lo encontré en el patio de recreo del preescolar de nuestros hijos. Era un escritor frustrado, y yo era una artista frustrada. Nos unimos por el agotamiento de los padres y el deseo de perseguir nuestra arte de una manera más grande. Siempre habíamos hablado de crear juntos un libro infantil, inspirado en los comportamientos interesantes y peculiares que observamos en nuestros hijos. Unos años más tarde, le envié varias ilustraciones de un personaje que había dibujado con orejas de hoja sentadas en un columpio y le dije: «Su nombre es Edie, ¿puedes escribir una historia sobre ella?» ¡Me envió las primeras páginas y el proyecto nació! Como ilustradora, trabajar en estrecha colaboración con un escritor como él es mágico. Es genial poder desempeñar un papel tan integral en la narración.
4. ¿Podría contarles a nuestros lectores sobre su libro para niños,«Being Edie is hard today’ ‘(Essere Edie hoy es difícil’?)
«Being Edie is Hard Today» trata de un día difícil en la vida de esta peculiar niña llamada Edie. A lo largo del libro, Edie se imagina a sí misma asumiendo varios rasgos animales como su manera de hacer frente a varias situaciones. For instance: Cuando se encuentra en la oficina del director, se imagina que es un camaleón y que el director no puede verla. Cuando su madre le pide que se lave los dientes, se desploma en el suelo fingiendo ser un gusano (¡todos estos comportamientos inspirados en la vida real con los niños, por supuesto!).
El libro también le da al lector una mirada única en todo lo que los personajes están sintiendo a lo largo del camino mediante el uso de emojis por encima de sus cabezas. Realmente queríamos dar la «historia interior» de lo que la gente verdaderamente está sintiendo en el momento. Este es un detalle tan importante del libro porque, con demasiada frecuencia, nuestras expresiones faciales no muestran todo lo que realmente estamos sintiendo o experimentando en el momento. Queríamos contar la historia interna de Edie. Ella está aguantando mucho en todo el día y se comporta de una manera que los adultos,en su vida, encuentran confusa, frustrante e incluso divertida a veces. El libro se completa al final con Edie y su madre a la hora de acostarse.
Edie finalmente está en un espacio seguro para compartir todo lo que le ha pasado, y sólo tiene un gran grito. Vemos las expresiones faciales del personaje ahora, el interior sale, y Edie derrama algunas lágrimas reales. Es un libro de aprendizaje social-emocional sobre la importancia de encontrar un espacio seguro y una persona de confianza, para que puedas seguir adelante y llorar! ¡Las lágrimas pueden sanar!
5. ¿Qué libro infantil te inspiró más de niño o en los últimos años?
El trabajo de Tomie de Paola siempre ha sido lo que me ha inspirado más, tanto hoy como de niño. Me encanta su narración simple, la forma en que te hace enamorar de sus personajes, así como sus ilustraciones limpias y paleta de colores. Me encantaron sus historias autobiográficas como The Art Lesson, así como sus maravillosos cuentos populares como Strega Nona. Su trabajo lo siento como una manta caliente para mí.
6. ¿Cómo fue su infancia, siempre has tenido curiosidad por las ilustraciones y el arte en general entonces?
Crecí en Colorado y pasé la mayor parte de mi infancia al aire libre. Mi madre era músico y a menudo nos involucró en su proceso. Mi padre era geólogo y le encantaba pintar paisajes en la pintura de acuarela. Las artes fueron muy alentadas en mi casa. Mi madre siempre nos llevaba al teatro comunitario, y estábamos rodeados de mucha música. Pasaba muchas horas dibujando y dibujando. Tomé clases de arte de verano en el parque y fui empujado y animado por mis padres a someter mi trabajo a varios concursos de arte cuando era niño. Aunque dibujaba a menudo, no era ese chico que constantemente garabateaba o dibujaba dondequiera que iba. Incluso entonces, pasé la mayor parte de mi tiempo observando. Me encantaba observar la gente siempre, una mosca en la pared. Sólo miraba, siempre mirando. En la escuela secundaria, mis padres me permitieron hacerme cargo del espacio de almacenamiento debajo de las escaleras en el sótano como un espacio de estudio, y pasé la mayoría de los fines de semana pintando. Pienso mucho en lo impactante que fue ser criado en un hogar que valoró las artes. Esto es fue algo verdaderamente importante que me hizo muy fuerte acerca de seguir hacia adelante. Me gustaría ser eso para los niños que tal vez no se críen en hogares donde el arte es una prioridad.
7. Un programa de inteligencia artificial llamado Jarvis ha sido nombrado curador de la Bienal de Bucarest 2022. ¿Cuáles son sus pensamientos sobre un robot siendo nombrado cuidador, eso limitaría las opciones curatoriales?
Oooh- interesante! Tendré mucha curiosidad por ver cómo se desarrolla eso. Inicialmente, diría que en realidad no parece una gran desviación de un curador humano. El robot necesita ser programado por un humano, ¿verdad? Un humano que sin duda se llenará de sus propios sesgos (porque TODOS estamos llenos de sesgos subconscientes), de los que el robot aprenderá. Parece como si el robot sólo se llenará con el sesgo de sus programadores y otros curadores de los que va a aprender? Tendré curiosidad por ver los patrones de curación que Jarvis potencialmente será capaz de señalar o exponer. Muy intrigante. Todo esto suena un poco como el arte mismo que está seleccionando arte. ¡Una parodia!
8. ¿Le interesaría interactuar con la tecnología en su trabajo futuro con una colaboración o un nuevo medio?
¡Seguro! Siempre estoy abierto a pensar en cómo mi trabajo cambiará y se transformará en el futuro. Espero y creo que no estaré pintando lo mismo, de la misma manera, usando los mismos materiales dentro de diez años. Actualmente, trabajo solamente con medios tradicionales – óleo sobre lienzo, acuarela, y lápiz sobre papel, etc… pero como la tecnología es una parte tan importante de nuestro mundo, y mi día personal hoy, todo nuestro trabajo deriva ya de alguna manera de la tecnología. De una manera muy diferente , desde siempre estoy colaborando con la tecnología.:) Me encanta ver cómo artistas como Avery Singer interactúan con la tecnología y realmente esto ha servido para cambiar nuestras ideas en torno al propósito que la tecnología sirve en el arte.
9. Pintas con hermosos colores brillantes, creando representaciones realistas, ¿cómo estas obras se convierten en un cuento para adultos?
La creación de arte es simplemente un diario compartido. Siempre estoy compartiendo dónde estoy en el contexto de donde he estado, ¡Un cuento perpetuo para adultos! Siempre he dicho que cada pieza es una especie de autorretrato. Pinto para procesar las cosas en las que estoy pensando y pasando. La pintura ha sido una forma de llorar, sanar y procesar. Me encanta usar colores brillantes como forma de reconexión para volver a cablear mis recuerdos o pensamientos sobre cosas difíciles. El uso de colores brillantes puede servir aclarar las cosas a menudo difíciles u oscuras. En mi serie «Whole/Half», por ejemplo, que era una serie de pinturas que representaban frutas y verduras en dos partes cortadas por la mitad a la izquierda, y toda la pieza de producto pintada a la derecha, era una serie sobre trauma y curación. La izquierda, (cortada por la mitad, expuesta) representa un trauma, y la derecha representa la curación. Cada pieza fue pintada con un fondo muy tranquilo, minimalista y lineal pero muy colorido. En cierto modo, los colores hacen que el tema sea para mí más fácil de abordar y de hablar. 10. ¿Podría hablar un poco sobre la serie de murales exteriores rotatorios de Philly PACK de los que formaba parte?
Philly PACK es un teatro infantil cerca de mi casa en Filadelfia. Colaboré con su director y equipo de diseño de producción para desarrollar un mural original, a gran escala,en sus ventanas exteriores para cada una de sus producciones (¡ofrecen tres espectáculos al año!). Este proyecto ha sido una serie única y desafiante para mí. Realmente me ha sacado fuera de mi zona de confort con tanto la escala (¡estoy trabajando en una ventana de 18 pies!) como con el medio. La pintura sobre vidrio se presenta con bastantes dificultades para encontrar los materiales y formas de aplicación más exitosos. Además, saber que cada uno es temporal y será raspado en unos meses realmente cambia el proceso hacía sentirse mucho menos valioso. Me obliga a no pensar demasiado en todo, lo cual soy MUY propenso a hacer. 🙂 Ha sido un proyecto refrescante para mí.
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